14 ene. 2014

El Tiempo entre costuras


EL TIEMPO ENTRE COSTURAS es la historia de Sira Quiroga, una joven modista empujada por el destino hacia un arriesgado compromiso en el que los patrones y las telas de su oficio se convertirán en la fachada de algo mucho más turbio y trascendente.

Bajo esta trama esquemática se tejen múltiples lecturas transversales que la convierten a un tiempo en una novela de superación personal, una novela colonial, una novela de amor, una novela de conspiraciones históricas y políticas, y una novela de espías. Una novela de ritmo imparable cargada de encuentros y desencuentros, de identidades encubiertas y quiebros inesperados; de ternura, traiciones y ángeles caídos.(del blog de Maria Dueñas)

2 sept. 2013

El espíritu del tiempo expresado en la moda


Nada nuevo bajo el sol? Que nos llevamos de cada época para diseñar la moda actual.?
En las sociedades se producen cambios constantemente. El indicio mas inmediato de esos cambios sociales, políticos y hasta religiosos se ve en la moda. La moda expresa el espíritu del tiempo.
Lo vintage, ese estilo en busca de reminiscencias, siempre es moda. Rescatamos cada temporada, prendas y accesorios de otras épocas.
Los primeros años del 1900 descubren una moda inmersa en los influjos de la Belle Époque francesa y el período eduardiano de Inglaterra. Reinaba la ostentación. Las mujeres portentosas, de busto prominente y caderas fuertes, lograban una silueta en forma de S gracias a los por ajustadísimos corséts, acompañaban sus prendas, las más pudientes, con abundante encaje y las de menos recursos con trabajosos crochets. Entre los accesorios de la época encontramos plumas, guantes, sombreros muy adornados y en la paleta de colores predominaba el color pastel. Los géneros más usados fueron crépe, chifon, satén, muselina y tul.
Ya en 1908 tuvimos un poco de respiro. Para esta silueta tan aprisionada del siglo XX el diseñador Paul Poiret propuso "descorsetar". Basta de prendas que inmovilizantes. Se amparó, para ello, en una ola de orientalismo con colores llamativos, túnicas y turbantes. En aquella época la vestimenta hacia referencia a una ideología y ésos todavía no eran los tiempos de la liberación femenina. Así que mientras Poiret logro liberarnos de arriba, otros diseñadores ajustaban de abajo con la famosa falda trabada o falda tubo. Sin embargo, hubo algunos pequeños cambios en las prendas como los botones que reemplazaron los adornos de encaje, y el cuello en V, mas que obsceno para los conservadores de esos tiempos. Además, los zapatos mostraron por primera vez un pie femenino mas descubierto. Con la llegada de la primera guerra mundial, se volvió al gris, a las texturas pesadas y las líneas holgadas. 
En estos años la moda fue muy importante e influyente ya que marco la división de clases, pues solo las clases sociales muy altas, eran las que podían importar sus vestidos o las telas de Francia, con tal de estar a la moda. Las clases medias pretendían seguir este modelo, pero sus recursos no eran suficientes para mandar hacer su modelo de vestido. La clase baja esa era la que menos se preocupa en ese entonces por vestir bien.


Después de la guerra el ideal de mujer fue el andrógino según los estudiosos de la época,las chicas se esforzaban por parecerse a los varones, en un intento por reemplazar a los que habían muerto en la guerra. Para eso se recortaron el pelo a la garzón y después el eton ( un ultracorto). Las curvas habían pasado de moda y dicen que a estos años se dieron los primeros casos de anorexia- un legado mas que lamentable- . Se usaba el vestido con corte de camisa y se empezó a desdibujar las cinturas de las prendas. Esta es la década de los famosos vestidos charleston y en la que empieza a hacer carrera Coco Chanel, quien sorprendía por el empleo del jersey , una textura usada hasta entonces sólo para la ropa interior. y como si fuera poco, en esa época aparecieron los aros de clip y las modelos. Estas últimas, siempre tímidas tras el modisto. Si bien ésta profesión está en auge, la actitud de hoy - evidentemente- no se parece a la de
 aquellos años...
 

Con el crack del '30 y la gran depresión económica que conmocionó al mundo entero, la moda juvenil pasó a mejor vida y, como suele suceder en tiempos de crisis, se impuso la seriedad en extremo. El hombre se volvió hiper varonil y la mujer ultra femenina. Los trajes se oscurecieron mas de la cuenta, los abrigos se alargaron y nació la hombrera como un modo de levantar ánimos más que caídos. El guarda ropa de las mujeres recibió el apodo "de la ocupación". Se componía de trajes con pollera corta, tailleurs estrictos con grandes hombros y talle marcado, sombreros y plataformas. En esta época nace el corpiño con tazas hechas con alambres, y se ponen de moda "baños de sol".





La segunda guerra llegó irremediablemente. Europa comenzó a envidiarle a América la libertad en la elección de géneros y tendencias, mientras que los habitantes del viejo continente debían contentarse con ropa que semejaba uniformes militares, de hombros anchos y cinturas estrechas.
La reacción no tardó en llegar, pero desordenadamente, y tomando lo primero que estaba a mano como pañuelos para la cabeza y cosméticos, usados en exceso. Esta época fue propicia también para el nacimiento del New Look, del maestro Christian Dior, que volvía a encorsetar a la mujer. Una de sus primeras adeptas y clientas fue Eva Duarte de Perón, Evita. En zapatos, surge el taco aguja.
Los años 50, es la década de las grandes divas. Después de los años de restricciones en el vestir, se vuelve al lujo y a la sostificación, con Marilyn Monroe y Grace kelly a la cabeza. Es que el cine fue uno de losmedios que apostó al cambio, devolviéndole a toda esa gente cansada de las prohibiciones un poco de magia y alegría, aunque mas no fuera desde la pantalla. Además, son los años de la famosa alforja de Hermés y del legado de Coco. La diseñadora aportó collares de perlas, medallones, zapatos con punteras en contratono y sobretodo, como ella misma decía, "el negro debe ocupar el primer lugar".
Saint Laurent aparece con su línea trapecio y la cultura joven americana, mas que nada la universitaria, logra poner de moda los pantalones cigarette al tobillo, las faldas con vuelo, las ballerinas, los calcetines de punto, las cola de caballo para el pelo y las zapatillas planas. También estuvo de moda en esa época las motos, camperas de cuero y un emblema de ello es el actor Marlon Brandon.
La década de los 60 fue la primera vez que la moda se centró en los jóvenes. Todos querían tener lo último que marcaba la tendencia. En esta década se vieron las faldas mas cortas del siglo, el pelo más largo y suelto, los escotes y tops transparentes, los collares de plástico y los diseños geométricos del pop art conviviendo con total armonía.
Llegan el twist, las pelucas y las pestañas postizas. Todo era posible, desde los ultrapsicodélicos a los románticos o a los retro de los '40. De ésta época son as botas altas, el blanco sobre blanco de courréges, los jumpers y delantales de estudiante, el plateado, los vestidos largos, el flower power, el look étnico y hasta los volados y, por sobre todas las cosas, la mezcla.
















La década del 60 fue la época más heterogénea en lo que a moda se refiere.
En los '70 lo único que importaba era el propio estilo. No hay ningún look que lidere las tendencias de la moda. las mujeres alistadas e los movimientos de liberación femenina usarían los pantalones que mas se ajustaran a su gusto, los jóvenes pro-paz y naturaleza apostarían al vaquero. Flores, talle bajo, plataformas, hots pants, medias de red, estampado liberty, pantalones oxford son algunas de las propuestas. Aunque no todo era tan pacífico. En Inglaterra, los jóvenes en vez de rebelarse con el "paz y amor", lo hacían con el punk. Su lema era: "si piensan que soy lo peor de la sociedad, les voy a dar el gusto". Se vestían integramente de negro. La ropa rasgada, con agujeros, prendida con alfileres de gancho pronto sería moda de pasarela.




Después de tanto cambalache, se impone lo clásico. Por primera vez en la historia de la moda, los diseñadores americanos se hacen oir a viva voz frente a los europeos. Es el apogeo de Calvin Klein, y Ralph Laurent y sus líneas prácticas y despojadas, Lo importante es el corte, la textura y la calma, porque los nuevos personajes entran en la escena, los yuppies. Además se le dá mucha importancia a las marcas, que pasan a ser símbolo de elite, elegancia y buen vestir. El guarda ropa se incorpora a una ideología que se practica en esos años: la competencia. El diseñador francés Pierre Cardin, hace valer la consigna con modelos de líneas simples. En esta década la practicidad manda.
Y a partir de aqui lo que empieza a darse importancia es el cuerpo y no la vestimenta. Para mal de muchas la delgadez llevada al punto máximo es mas protagonista que lo que se lleva puesto. Hagamos un alto aqui lo que viene es un capítulo aparte. Aunque no quiero despedirme de esta nota sin antes subir las imagenes que mas me gustan de todas las épocas...



23 sept. 2011

EL COLOR: círculo, teoría, armonía, comunicación del color

Círculo cromático
El círculo cromático es una clasificación de los colores. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. Los colores más comunes de encontrar en un círculo cromático son seis: amarillo, anaranjado, rojo, violeta, azul y verde, aunque para las artes gráficas en el formato digital los colores sean amarillo, rojo, magenta, azul, cian y verde. La mezcla de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores, haciendo una mezcla de un color con el siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores.
El hexagrama es una estrella de seis picos que se coloca en el centro del círculo cromático. Aunque depende del número de colores usados en el círculo es la cantidad de picos que tenga dicha estrella. Esta estrella muestra los colores complementarios.
Los colores opuestos en el círculo cromático son aquellos que se encuentran uno frente al otro.
Y así sucesivamente con todos los colores, como podría ser el azul-verde (verde mar) o el naranja-rojo (naranja rojizo).
El tono representa la cantidad de luz en un color. Esto es blanco o negro según sea el caso. Cuanto mayor es el tono, mayor es la cantidad de luz en un color, es decir más color blanco posee. El blanco y el negro podrían considerarse opuestos, pero nunca colores y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático, el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total.
Sin embargo el negro y el blanco al combinarse forman el gris el cual también se marca en escalas. Esto forma un círculo propio llamado "círculo cromático en escala a grises" o "círculo de grises"
El color también es afectado por la intensidad y la saturación. Esto es la palidez o la viveza del mismo.
Esta triada de colores no es la generadora de la infinitud de todos los colores posibles de ser percibidos por el ojo o factibles de usarse en las artes gráficas, ya que permite una finita cantidad de subdivisiones. De esta triada por, ejemplo, no pueden obtenerse los colores llamados "pasteles" que son los que tienen agregado de blanco en diferentes proporciones.
Atributos Del Color
Todos los matices o colores que percibimos poseen 3 atributos básicos:
  • Matiz: También llamado por algunos: "croma", es el color en sí mismo, es el atributo que nos permite diferenciar a un color de otro, por lo cual podemos designar cuando un matiz es verde, violeta o anaranjado.
  • Luminosidad: "valor", es la intensidad lumínica de un color (claridad / oscuridad). Es la mayor o menor cercanía al blanco o al negro de un color determinado. A menudo damos el nombre de rojo claro a aquel matiz de rojo cercano al blanco, o de rojo oscuro cuando el rojo se acerca al negro.
  • Saturación: Es, básicamente, pureza de un color, la concentración de gris que contiene un color en un momento determinado. Cuanto más alto es el porcentaje de gris presente en un color, menor será la saturación o pureza de éste y por ende se verá como si el color estuviera sucio u opaco; en cambio, cuando un color se nos presenta lo más puro posible (con la menor cantidad de gris presente) mayor será su saturación. En caso de que se mezclen los colores opuestos en el Círculo Cromático se obtienen grises opuestos a la saturación, a ésto se le llama Neutralización.
El grado en que uno o dos de los tres colores primarios RGB (Esta clasificación es referente a los colores básicos en la composición luminosa de una pantalla informática R=Red, G=Green, B=Blue, con los que se componen por medio de adición luminica, distinta a la clasificación de los colores básicos o primarios de la pintura, en la que se mezclan por adición de pigmentos matéricos o físicos) predominan en un color. A medida que las cantidades de RGB se igualan, el color va perdiendo saturación hasta convertirse en gris o blanco fin.
Teorías del uso del color
Las teorías modernas del uso del color determinan que sus propiedades son 2: tonalidad y luminosidad
La tonalidad tiene que ver con el tipo de color: tierra siena tostada, verde, negro titanio, blanco marfil, rosa, etc.
La luminosidad es la cantidad de luz que cada color tiene y es posible de ser diferenciada en oposición a otros colores, por ejemplo un amarillo es más claro que un azul o un verde más claro que un marrón.
La saturación bien entendida tiene que ver con la cantidad de materia que se aplica sobre una superficie, por ende saturar significa colmar una superficie con pigmento. El agregado de gris a los colores como forma de saturar, no hace otra cosa que obtener un nuevo color producto de la mezcla. Puede probarse por experimentación. Por ende un color, inclusive al que se le agregara gris, puede saturar una superficie con mayor o menor efectividad dependiendo de la técnica utilizada y de la calidad de los materiales con los que se ha fabricado. Por ejemplo la técnica de acuarela tiene menor capacidad para saturar que la del acrílico.
Armonías de color
El círculo cromático se usa muy a menudo para armar o determinar las armonías de color que se van a usar en determinada obra artística. En este sentido, hay varias clases de armonías de color, entre ellas, las siguientes:
Armonía de Colores Complementarios
En el círculo cromático se puede observar que hay pares de colores ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia, unidos por el diámetro de la misma; a estos pares de colores se les suele llamar "colores complementarios" o "colores opuestos", ya que al superponer uno de estos colores sobre un fondo de su color opuesto, complementan el espectro visible, el contraste que se logra es máximo. Esto se denomina "armonía de contraste de opuestos o complementarios". En este caso, se consideran lo siguientes colores complementarios u opuestos:
Armonía de Colores en Tríada-Equidistante
Es cuando se arma una composición de colores usando aquellos matices del círculo cromático que están dispuestos en forma de triángulo equilátero, equidistantes entre sí y con respecto al centro del círculo como, por ejemplo, la tríada Amarillo-Cian-Magenta o la triada Verde-Rojo-Azul.
Armonía Básico-Terciaria
Se trata de la paleta de colores diseñada por el pintor Carlos Benítez Campos con colores básicos y terciarios del siguiente modo: en primer lugar elegimos para nuestra paleta tres colores básicos (primarios o secundarios indistintamente), y a continuación añadimos a la misma dos o tres colores que resulten de mezclar dos a dos, los primarios y secundarios del círculo cromático no elegidos en primer lugar. En total obtendremos cinco o seis colores para pintar un cuadro en perfecta armonía cromática.
El color y la expresion de emociones y sensaciones
Actualmente la tecnologia nos proporciona infinidad de medios para documentar la apariencia de la realidad. La fotografia, el video y el cine liberaron al artista de esa tarea. Aun asi, el pintor sigue representando realidades de otras maneras. Algunos parten de la realidad y la imitan; otros parten de ella y la deforman, modifican sus formas o sus colores. Otros toman el mundo exterior como referencia pero lo recrean hasta que es imposible reconocerlo. Y algunos desean crear una realidad nueva, la de sus emociones y fantasias, expresando lo que solo pueden decir con formas y colores. Unos de los cambios mas importantes en la pintura del S XX fue que muchos artistas dejaron de usar el color de manera descriptiva. En los pintores coloristas el color esta en funcion de la expresion, y su manera de aplicarlo obedece la necesidad de reflejar sus emociones y estados de animo. Para ellos, el color es el protagonista. Es posible que les resulte mas apropiado un naranja o un rojo para un campo sembrado y hacerlo vibrar contra un cielo de un turquesa brillante - aunque no corresponda a la realidad que tienen ante sus ojos- porque esos colores responden a la sensacion que intentan producir.
La pintura según Matisse
Como otros pintores de su época, Matisse se valió del color y de las formas para expresar emociones y sentimientos. En este fragmento de una entrevista radial, realizada en 1942, expresó su opinión:
Entrevistador:-Señor Matisse, ¿Por qué pinta usted?
Matisse:-Para traducir mis emociones, mis sentimientos y las reacciones de mi sensibilidad en términos de color y forma, cosa que no puede hacer ni la cámara fotográfica más perfeccionada, incluso en colores, ni el cine.
El color puede utilizarse simbólicamente
Al color, como a las palabras, puede dársele significados simbólicos. Muchas veces esos símbolos son propios de una cultura. Esto hace que puedan ser interpretados por quienes los conocen. En nuestra cultura, el luto es simbolizado por el color negro. En algunas culturas de Oriente, en cambio, el color del luto es el blanco. Para los hindúes, el naranja es el color místico, en cambio en Occidente, nos asombraríamos de ver a un sacerdote con sotana naranja.
El color y la comunicacón
En la vida diaria percibimos la realidad "en color", es decir, que el color nos brinda información acerca de los objetos y situaciones que nos rodean. Se comprende entonces que nos parezca, en principio, que en las imágenes el color posee una descripción naturalista y documental. Pero el color tiene también una dimensión estética: hay un alto grado de subjetivismo en su utilización. El color posee, además, valores simbólicos: significados culturalmente admitidos que amplian y modifican el valor de la imágen. Ciertos colores nos parecen mas apropiados que otros para alcanzar determinados fines comunicacionales. Por todo ello, el uso consciente del color en las imágenes amplía y enriquece el abanico de recursos creadores.