EL COLOR: círculo, teoría, armonía, comunicación del color

Círculo cromático

El círculo cromático es una clasificación de los colores. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. Los colores más comunes de encontrar en un círculo cromático son seis: amarillo, anaranjado, rojo, violeta, azul y verde, aunque para las artes gráficas en el formato digital los colores sean amarillo, rojo, magenta, azul, cian y verde. La mezcla de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores, haciendo una mezcla de un color con el siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores.

El hexagrama es una estrella de seis picos que se coloca en el centro del círculo cromático. Aunque depende del número de colores usados en el círculo es la cantidad de picos que tenga dicha estrella. Esta estrella muestra los colores complementarios.

Los colores opuestos en el círculo cromático son aquellos que se encuentran uno frente al otro.

• El amarillo es el color opuesto al azul
• El magenta es el color opuesto al verde
• El cian es el color opuesto al rojo

Y así sucesivamente con todos los colores, como podría ser el azul-verde (verde mar) o el naranja-rojo (naranja rojizo).

El tono representa la cantidad de luz en un color. Esto es blanco o negro según sea el caso. Cuanto mayor es el tono, mayor es la cantidad de luz en un color, es decir más color blanco posee. El blanco y el negro podrían considerarse opuestos, pero nunca colores y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático, el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total.

Sin embargo el negro y el blanco al combinarse forman el gris el cual también se marca en escalas. Esto forma un círculo propio llamado "círculo cromático en escala a grises" o "círculo de grises"

El color también es afectado por la intensidad y la saturación. Esto es la palidez o la viveza del mismo.

Esta triada de colores no es la generadora de la infinitud de todos los colores posibles de ser percibidos por el ojo o factibles de usarse en las artes gráficas, ya que permite una finita cantidad de subdivisiones. De esta triada por, ejemplo, no pueden obtenerse los colores llamados "pasteles" que son los que tienen agregado de blanco en diferentes proporciones.

Atributos Del Color

Todos los matices o colores que percibimos poseen 3 atributos básicos:

• Matiz: También llamado por algunos: "croma", es el color en sí mismo, es el atributo que nos permite diferenciar a un color de otro, por lo cual podemos designar cuando un matiz es verde, violeta o anaranjado.

• Luminosidad: "valor", es la intensidad lumínica de un color (claridad / oscuridad). Es la mayor o menor cercanía al blanco o al negro de un color determinado. A menudo damos el nombre de rojo claro a aquel matiz de rojo cercano al blanco, o de rojo oscuro cuando el rojo se acerca al negro.

• Saturación: Es, básicamente, pureza de un color, la concentración de gris que contiene un color en un momento determinado. Cuanto más alto es el porcentaje de gris presente en un color, menor será la saturación o pureza de éste y por ende se verá como si el color estuviera sucio u opaco; en cambio, cuando un color se nos presenta lo más puro posible (con la menor cantidad de gris presente) mayor será su saturación. En caso de que se mezclen los colores opuestos en el Círculo Cromático se obtienen grises opuestos a la saturación, a ésto se le llama Neutralización.

El grado en que uno o dos de los tres colores primarios RGB (Esta clasificación es referente a los colores básicos en la composición luminosa de una pantalla informática R=Red, G=Green, B=Blue, con los que se componen por medio de adición luminica, distinta a la clasificación de los colores básicos o primarios de la pintura, en la que se mezclan por adición de pigmentos matéricos o físicos) predominan en un color. A medida que las cantidades de RGB se igualan, el color va perdiendo saturación hasta convertirse en gris o blanco fin.

Teorías del uso del color

Las teorías modernas del uso del color determinan que sus propiedades son 2: tonalidad y luminosidad

La tonalidad tiene que ver con el tipo de color: tierra siena tostada, verde, negro titanio, blanco marfil, rosa, etc.

La luminosidad es la cantidad de luz que cada color tiene y es posible de ser diferenciada en oposición a otros colores, por ejemplo un amarillo es más claro que un azul o un verde más claro que un marrón.

La saturación bien entendida tiene que ver con la cantidad de materia que se aplica sobre una superficie, por ende saturar significa colmar una superficie con pigmento. El agregado de gris a los colores como forma de saturar, no hace otra cosa que obtener un nuevo color producto de la mezcla. Puede probarse por experimentación. Por ende un color, inclusive al que se le agregara gris, puede saturar una superficie con mayor o menor efectividad dependiendo de la técnica utilizada y de la calidad de los materiales con los que se ha fabricado. Por ejemplo la técnica de acuarela tiene menor capacidad para saturar que la del acrílico.

Armonías de color

El círculo cromático se usa muy a menudo para armar o determinar las armonías de color que se van a usar en determinada obra artística. En este sentido, hay varias clases de armonías de color, entre ellas, las siguientes:

Armonía de Colores Complementarios

En el círculo cromático se puede observar que hay pares de colores ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia, unidos por el diámetro de la misma; a estos pares de colores se les suele llamar "colores complementarios" o "colores opuestos", ya que al superponer uno de estos colores sobre un fondo de su color opuesto, complementan el espectro visible, el contraste que se logra es máximo. Esto se denomina "armonía de contraste de opuestos o complementarios". En este caso, se consideran lo siguientes colores complementarios u opuestos:

• verde y magenta
• Azul y Amarillo
• Rojo y cian

Armonía de Colores en Tríada-Equidistante

Es cuando se arma una composición de colores usando aquellos matices del círculo cromático que están dispuestos en forma de triángulo equilátero, equidistantes entre sí y con respecto al centro del círculo como, por ejemplo, la tríada Amarillo-Cian-Magenta o la triada Verde-Rojo-Azul.

Armonía Básico-Terciaria

Se trata de la paleta de colores diseñada por el pintor Carlos Benítez Campos con colores básicos y terciarios del siguiente modo: en primer lugar elegimos para nuestra paleta tres colores básicos (primarios o secundarios indistintamente), y a continuación añadimos a la misma dos o tres colores que resulten de mezclar dos a dos, los primarios y secundarios del círculo cromático no elegidos en primer lugar. En total obtendremos cinco o seis colores para pintar un cuadro en perfecta armonía cromática.

El color y la expresion de emociones y sensaciones

Actualmente la tecnologia nos proporciona infinidad de medios para documentar la apariencia de la realidad. La fotografia, el video y el cine liberaron al artista de esa tarea. Aun asi, el pintor sigue representando realidades de otras maneras. Algunos parten de la realidad y la imitan; otros parten de ella y la deforman, modifican sus formas o sus colores. Otros toman el mundo exterior como referencia pero lo recrean hasta que es imposible reconocerlo. Y algunos desean crear una realidad nueva, la de sus emociones y fantasias, expresando lo que solo pueden decir con formas y colores. Unos de los cambios mas importantes en la pintura del S XX fue que muchos artistas dejaron de usar el color de manera descriptiva. En los pintores coloristas el color esta en funcion de la expresion, y su manera de aplicarlo obedece la necesidad de reflejar sus emociones y estados de animo. Para ellos, el color es el protagonista. Es posible que les resulte mas apropiado un naranja o un rojo para un campo sembrado y hacerlo vibrar contra un cielo de un turquesa brillante - aunque no corresponda a la realidad que tienen ante sus ojos- porque esos colores responden a la sensacion que intentan producir.

La pintura según Matisse

Como otros pintores de su época, Matisse se valió del color y de las formas para expresar emociones y sentimientos. En este fragmento de una entrevista radial, realizada en 1942, expresó su opinión:

Entrevistador:-Señor Matisse, ¿Por qué pinta usted?

Matisse:-Para traducir mis emociones, mis sentimientos y las reacciones de mi sensibilidad en términos de color y forma, cosa que no puede hacer ni la cámara fotográfica más perfeccionada, incluso en colores, ni el cine.

El color puede utilizarse simbólicamente

Al color, como a las palabras, puede dársele significados simbólicos. Muchas veces esos símbolos son propios de una cultura. Esto hace que puedan ser interpretados por quienes los conocen. En nuestra cultura, el luto es simbolizado por el color negro. En algunas culturas de Oriente, en cambio, el color del luto es el blanco. Para los hindúes, el naranja es el color místico, en cambio en Occidente, nos asombraríamos de ver a un sacerdote con sotana naranja.

El color y la comunicacón

En la vida diaria percibimos la realidad "en color", es decir, que el color nos brinda información acerca de los objetos y situaciones que nos rodean. Se comprende entonces que nos parezca, en principio, que en las imágenes el color posee una descripción naturalista y documental. Pero el color tiene también una dimensión estética: hay un alto grado de subjetivismo en su utilización. El color posee, además, valores simbólicos: significados culturalmente admitidos que amplian y modifican el valor de la imágen. Ciertos colores nos parecen mas apropiados que otros para alcanzar determinados fines comunicacionales. Por todo ello, el uso consciente del color en las imágenes amplía y enriquece el abanico de recursos creadores.

EMOCIONES QUE CURAN

Siglos hablando de corazones rotos por un desengaño y, finalmente, los científicos han hecho caso a la sabiduría popular. Por ello se ha creado toda una especialidad, la neurociencia, que explora el funcionamiento del cerebro en todas sus dimensiones, incluyendo las sentimentales. Un área cerebral específica se encuentra implicada en este encuentro, a mitad de camino entre la salud y la psicología: el sistema límbico, el centro de las emociones, de la memoria y, junto con el sistema nervioso simpático, el responsable de todas esas funciones (respirar, digerir...) que se realizan sin que pensemos en ellas. Enfado, irritabilidad, celos o, en el lado contrario, el éxtasis amoroso o la risa. Todas influyen sobre nuestras funciones biológicas. De hecho, frente a cada emoción se produce una respuesta biológica.
EL BUEN HUMOR RENUEVA
Ya sabíamos que existe un vínculo entre la risa y el sistema inmunitario. Lo que se ha descubierto ahora es que anticiparse a momentos o actividades que nos harán reír, por ejemplo la idea de ir a ver una comedia al cine, aumenta el índice de endorfi nas (las hormonas antidolor) y la hormona del crecimiento, que interviene en la funciones reparadoras del cuerpo.
ALEGRIA MUSICA Y ARTERIAS
Ciertos cardiólogos tienen sus manías. En Baltimore (EE.UU.), el dr. Michael Miller, director del Centro de Cardiología Preventiva, es un apasionado del efecto de la música sobre las arterias. Sabemos que lo mejor es que no se encuentren demasiado estrechas para que la sangre circule y pueda oxigenar nuestros órganos y células. Miller eligió unos voluntarios a los que hizo escuchar música alegre (no importaba el género, sino la emoción que generaba). Resultados: al escuchar ritmos que ponen de buen humor, las arterias se dilataban hasta un 26%, una reacción similar a la de una sesión de gimnasia aeróbica. En sentido inverso, la música triste reduce el diámetro de las arterias un 6%.
ENAMORARSE
Un equipo de investigadores italianos demostró que, cuando nos enamoramos, producimos más una proteína involucrada en el crecimiento y la supervivencia de ciertas neuronas. Sin embargo, el nivel de estas proteínas baja inevitablemente al cabo de cierto tiempo. Moraleja: enamórate regularmente... aunque sea de la misma pareja.
AMAR BAJA EL COLESTEROL
Para demostrarlo se formaron dos grupos. Al primero se le solicitó que escribiese, durante al menos 20 minutos, una carta manifestando su afecto a una persona querida (un padre, un amigo o una persona amada), mientras que el otro grupo escribía sobre temas diversos. En ambos casos se analizó el índice de colesterol antes y después de las sesiones de escritura. Bajó en aquellos que se habían concentrado en los afectos o en el sentimiento amoroso.

LLORAR DESESTRESA
Las lágrimas eliminan los índices muy elevados de noradrenalina (mediador que provoca la liberación de cortisol). Es lo que descubrió en los años 80 el investigador William Frey. En esa época, se pensaba que las lágrimas no servían mas que para lubricar los ojos. Hoy sabemos que están cargadas con lisozima, que destruye el 95% de las bacterias en 10 minutos. Finalmente, eliminan también nuestras hormonas del estrés. Un estudio comparó las lágrimas provocadas por cebollas con las causadas por una película triste. En el segundo caso, las lágrimas contenían numerosas sustancias ligadas al estrés.

HAY EMOCIONES QUE PUEDEN ENFERMAR
 TEMOR AUMENTA EL RIESGO CARDIOVASCULAR
Investigadores de Quebec (Canadá) estudiaron los efectos del estrés y su impacto sobre el ritmo cardíaco, las alteraciones del ritmo, la presión sanguínea y el índice de cortisol. Conclusión: las mujeres se mantienen alejadas de los conflictos con la intención de preservar una imagen positiva de sí mismas, pero cuanto más se esfuerzan en huir, más se estresan (presión sanguínea más elevada y ritmo cardíaco más intenso). Cada vez más estudios confirman que hombres y mujeres gestionan sus niveles de estrés de manera diferente. Ellas se quedan a la defensiva y por ello corren más riesgos cardiovasculares. ¿La solución? Enfrentarse a los confl ictos o llorar que, como vimos en el punto anterior desestresa.

Emociones como inspiración en el diseño y la moda

Moda y emociones

La sociedad actual pone cada vez mayor acento en las emociones. Por eso la industria de la moda se plantea como implicar a la gente en el plano emocional. La moda va más allá de la estética porque simboliza todo un movimiento de emociones antes que asimilar cualquier tradición. Este ha sido el tema analizado en el Seminario Moda y emociones, que se ha desarrollado en la Universidad de Navarra en el que han participado especialistas procedentes de más de 20 universidades dentro del marco del proyecto de investigación Cultura emocional e identidad.

La moda va más allá de la cuestión de estilos que van y vienen cada temporada en el ámbito del vestido y los complementos. Este fue el planteamiento inicial de Ana Marta González, profesora de la Universidad de Navarra, que proporcionó un trasfondo de orden filosófico al fenómeno de la moda al que dió el significado de una dinámica de asimilación y distinción que afecta más o menos a todos os ámbitos de la vida social.

En el lenguaje corriente, cuando hablamos de moda, pensamos sobre todo en el movimiento en torno a la producción y distribución de la ropa y todavía con más frecuencia en el lado glamuroso del sistema: modelos, pasarelas, revistas. Desde el punto de vista filosófico el aspecto más interesante es que los diseñadores, las modelos los vendedores realizan algo realmente extraordinario: introducir en el mundo cultural y finalmente en la sociedad una referencia simbólica destinada a modificar el criterio social del gusto.

Para los que se llaman antiguos la moda era sobre todo cuestión de gustos, algo que tenía mucho que ver con la vida social y el sentido común. Pero ahora sin sentido común, el gusto como identidad social ha dejado su lugar al encanto momentáneo y a la percepción subjetiva. La moda hace gala de una posición individualizada en la cual todo es novedoso y nada lo es, en la cual todo vale por un momento pero nada vale para el día siguiente ya que ha sido reemplazado por algo diferente y más atractivo. La individualidad ha ganado el campeonato de importancia en la época moderna frente a cualquier forma de sociabilidad, y la moda es su mayor trofeo

RAZÓN CONTRA EMOCION
Laura Bovone, de la Universidad Católica del Sacro Cuore de Milán, exploró más la antitesis entre razón y emoción. La moda se manifiesta ante todo en la manera de vestirse, un acto de comunicación en el cual intervienen tanto la razón como la emoción. Vestirse racionalmente significa cumplir ciertas reglas sociales bien conocidas. Sin embargo ahora nos vestimos para causar cierta impresión en los demás. Entonces las reglas desaparecen y se deja paso a las incertidumbres y a los riesgos. La moda ya no refleja clases sociales sino estilos de vida, ya no responde a necesidades sino satisface deseos y experiencias personales.

Es de resaltar entonces la evolución experimentada en la práctica del marketing al dirigirse a un consumidor no tanto racional como emocional. En esta línea en estos últimos años el foco de atención se ha desplazado desde el producto –la ropa- al punto de venta como lugar de experiencias. Más que la venta de estilo, importa el estilo de las ventas.

¿GLAMOUR O ELEGANCIA?
El papel de las emociones en la recepción y apropiación de la moda fue el tema abordado por Lucía Ruggerone de la Universidad Della Valle d ´Aosta. Por apropiación se entiende el modo en que las personas integran los objetos de moda en sus vidas. Hizo un breve repaso de las teorías que afrontan la moda como un lenguaje y subrayan la afinidad entre moda e identidad moderna. La moda, efímera por naturaleza, prescinde del pasado y del futuro y refuerza el sentido del presente.-

Invitó a los asistentes a pensar en la diferencia entre glamour y elegancia. Mientras que el primero no supone esfuerzo ni gusto, la segunda si. Ilustró el contraste entre el consumo contemporáneo con una observación sobre la transición de las novedades, donde “capricho” significa el deseo no filtrado por ningún plan intencional: consumir sobre la marcha.
Asmoda.G.F

Boda Real, Kate y Williams

Lo que mas nos interesa de las bodas a las mujeres es el vestido de la novia, luego el resto... el resto de los vestidos en la boda, de los invitados por supuesto, los accesorios, los peinados, lo mas lindo, lo mas feo, lo ridiculo, lo sencillo, lo majestuoso...
Por todo eso y mucho mas he aqui el vestido de la novia!

diseñadora: Sarah Burton para la casa Alexander Mcqueen

El vestido de novia que Kate Middleton lució —diseñado por Sarah Burton, directora creativa de la casa de moda Alexander McQueen— provocó expresiones de admiración apenas llegó a la Abadía de Westminster el viernes. Jeannie Bond, experta en la monarquía británica y colaboradora de la AP, describió la creación de Burton como "un cuento de hadas".  "Es un sueño", dijo Bond. "Es un hermoso y suave atuendo de encajes, extremadamente elegante.
Se veía sensacional". Varios meses de especulación fueron recompensados con una pieza mágica: un sorprendente, pero elegante vestido con cuello en "v", una cola de mediana longitud y un espectacular velo. Como artículo "prestado", Kate Middleton lució la tiara "Halo", de Cartier, que le dio la reina Isabel II.
La tiara fue adquirida originalmente por el duque de York, y más tarde, por el rey Jorge VI para su duquesa, quien posteriormente se convirtió en el la reina madre Isabel, quien le dio la tiara a la actual monarca cuando cumplió 18 años. Lo "nuevo" en el ajuar de Middleton fueron un par de aretes de diamantes que le dieron sus padres.
Los pendientes, de Robinson Pelham, eran un juego de estilizadas hojas de roble con una diamante en forma de pera y una bellota de diamantes suspendida en el centro. Pero el vestido fue el que se robó el show. "íOh, es magnífico!", expresó con entusiasmo Yvonne Ryland, de Yorkshire. "Es absolutamente hermoso. Es tan entallado y le queda a ella perfecto".
Anteriormente Burton negó haber recibido la codiciada tarea, pero su negación parece haber sido parte de una elaborada estrategia para mantener el secreto en torno al traje de novia. En semanas recientes se reportó que algunas partes de las oficinas de la firma McQueen habían sido acordonadas para que nadie viera lo que se estaba diseñando, reforzando el rumor de que Burton había sido la elegida.
La diseñadora adquirió importancia cuando fue nombrada directora creativa de Alexander McQueen, poco tiempo después de que éste se suicidara en 2010. Había trabajado para él durante varios años, y ha sido laureada por desarrollar su propio estilo, que resulta un poco más reservado que el del difunto McQueen.
La creativa tiene muchos partidarios en el alto mundo de la moda, incluyendo a Anna Wintour, la influyente editora de la edición estadounidense de Vogue, quien laureó la "brillantez" de Burton durante una reciente visita a Londres.

 A diferencia de McQueen, cuya atrevida personalidad era bien conocida, Burton ha recibido poca publicidad fuera de la prensa especializada en moda y no es reconocida en la escena de la vida nocturna londinense. Burton aventajó a otros reconocidos diseñadores con experiencia en la creación de trajes de novia, incluyendo a Vivienne Westwood, quien la ha criticado por su timidez, Bruce Oldfield, Alice Temperley y Philippa Lepley. Aparentemente los modistas extranjeros no fueron considerados ampliamente en la competencia para la creación del vestido de novia.
El trabajo de Burton llamó la atención de Kate Middleton cuando en 2005 confeccionó el vestido de novia de Sara Buys, una periodista de moda que se casó con Tom Parker Bowles, hijo de Camilla, duqesa de Cornwall y esposa del príncipe Carlos.
La diseñadora, quien creció en Manchester, ha vestido a celebridades como Cate Blanchett, Lady Gaga y Gwyneth Paltrow. Burton entró a McQueen como pasante en 1996 y en septiembre presentó su primera colección para mujer en París. Sus creaciones tienen la audacia suficiente para ser una opción moderna para la novia de una boda de la realeza.
"ESTAS BELLA"  le dijo W cuando vio a K en el altar.

ALTA COSTURA

DISEÑADORES PARISINOS : Inspiracion y paletas de colores de cada uno en sus desfiles de enero 2011.(primavera-verano europeo)

Cuando la moda cambió sus cánones y se echó en los brazos del “pret a porter” se buscó una salida airosa a la Alta Costura diciendo, de una forma un poco irónica, que se había convertido “en un laboratorio de ideas”. Ahora, tras varios años de sortear todas las tormentas económicas y estilísticas, resulta que es verdad. Que la Alta Costura, de una forma sutil pero efectiva, sigue influyendo en los dictados de las tendencias y estilos y que nadie como ella puede aportar ese halo de magia indispensable para la moda.

DIOR: NOSTALGIA DEL NEW LOOK. Al ver los modelos de John Galiano se adivina su homenaje a la silueta cumbre de Dior que revolucionó la moda del momento con sus hombros marcados, cinturas de avispa y faldas de vuelo interminable, pero lo ha hecho inspirándose en los dibujos del ilustrador de moda René Gruau, que trabajó a las órdenes de Dior. El resultado es una colección, presentada en el Museo Rodin, llena de volúmenes y de movimiento, con tejidos de sedas y organzas con superposiciones de tul en “degradé” llenas de fluidez, que sugieren técnicas pictóricas exquisitas. Blusas abanico, mangas gigantes y solapas corola. ¿Su colorido? Tonos pastel, rosa maquillaje, verde pálido.

Parece que fue ayer y ya han pasado 15 años desde que John Galliano tomó por primera vez firmemente la batuta de la Maison Dior. Su dramática y audaz visión del New Look supuso el revival más absoluto del mítico creador francés y, años más tarde, todavía nos conmueve contemplar sus increíbles desfiles de alta costura.

Aparentemente, las nuevas salidas haute couture de Galliano no contienen ningún ingrediente especialmente novedoso -el ADN de Mr. Dior prima, ante todo-. Así, este nuevo episodio nos brinda suntuosos vestidos y faldas de línea A con profundos brochazos, luces y sombras, colores en degradé de color vino, capuccino y una sutil paleta cromática de colores pastel. Los puntos de referencia del genial creador se apoyan en las ilustraciones 100% frenchy y dibujos de René Gruau (1909-2004).

Por otra parte, las capas y capas de tul de las nuevas faldas bailarina y el eyeliner marcado nos recuerdan inevitablemente a Natalie Portman, embajadora de Dior, y su fantástico papel en "Black Swan". ¿Recogerá una estatuilla dorada vestida de Dior alta costura? Habrá que esperar...

ARMANI: TECNOLOGIA Y FUTURISMO. La aureola de sencillez y pragmatismo que se adjudicaba a la moda de Armani ha tenido sus contrapartidas. Una de ellas podría ser esta colección presentada en la Place Vandôme, llena de sedas con acabados irisados, brillos metálicos, tejidos tecnológicos y colores intensos. Había un aire espacial hasta en los casquetes en forma de ovni que llevaban las modelos. Dominaron los colores ácidos, los tejidos tecnológicos y las joyas enormes. Faldas sobre pantalones estrechos y un cierto aire oriental en las chaquetas sin solapas ni cierres.

Los desfiles de alta costura, por definición, deben de tener grandes dosis de ensueño y fantasía. Por tanto, la anterior propuesta de Armani Privé - un realista y pragmático desfile en clave camel- dejó a muchos pensando qué era aquello que podía situar a dicha colección en un marco haute couture.

El creador italiano no ha querido volver a las andadas y en esta ocasión ha dado rienda suelta, dentro de sus limitados parámetros, a su discretísima imaginación. Una mujer techno futurista con tintes orientales -fluidas sedas metalizadas y mercurizadas, tejidos sci-fi, sombreros tocado en forma de compact disc y complementos asimétricos con cortes de arista-.

En cuanto a las formas, Armani apuesta por leggings iridiscentes acompasados junto a arquitectónicos vestidos con faldones a capas. La galáctica y aventurada apuesta también incluye salones con tacón de metacrilato y punta afilada, clutchs geométricos y maxibrazaletes con piedras xxl.

CHANEL: LA VIDA EN ROSA. Seguro que Cocó Chanel hubiera recriminado la “osadía” de su sucesor Karl Lagerfeld de introducir los tejidos vaqueros en la Alta Costura, pero Karl lo tiene muy claro: “No hay que temer a la evolución y el cambio”, opina. Pero junto a esta promoción del denim, ha recurrido a modelos inspirados en el ballet con “bailarinas” de raso atadas al tobillo, una profusión de tonos suaves y empolvados y entremezclando cristales y piedras casi con la apariencia de tejido. Una colección que rejuvenece la categoría innegable de los trajes de tweed y los clásicos looks Chanel presentes también en la colección, que discurrió en la intimidad de los salones de la Rue Cambon.

Karl Lagerfeld confesaba momentos antes del desfile de alta costura de Chanel que, para esta colección, se había inspirado en la actriz Blake Lively –imagen de la línea de bolso de la maison-. Un mensaje un tanto confuso tratándose de un show de costura, pero totalmente coherente con los giros creativos a los que el Kaiser nos suele tener acostumbrados.

Después de ver una primera vez la colección es posible reconocer esa influencia en los leggings de paillettesjeans abotonados en el bajo que plagaban la colección dándole un aire decididamente joven y casual. e incluso en los

Pero era sólo un truco efectista del mago Lagerfeld. En realidad, la colección no puede ser menos street. La sucesión de vestidos y dos piezas en colores empolvados que van del perla al rosa levísimo cortados en organzas, muselinas y sedas eran tan delicados y femeninos que, desde luego, no estaban pensados para la calle. De hecho, ni siquiera los looks de alfombra roja que suele frecuentar Lively son, ni mucho menos, tan discretos e inocentes.

La colección retoma la tendencia de las transparencias, una de las que más arrasarán este verano, pero sólo como punto de partida. Luego Lagerfeld hace y deshace a su antojo rematando organzas con cristales para buscar formas geométricas, devorando estratégicamente muselinas, estrangulando la seda con nido de abeja o salpicando las gasas con flores en relieve. Es como si de una catálogo de veladuras burguesas se tratara. Una colección extensísima, completa, planteada con inteligencia y fiel a los criterios de costura que ningún diseñador debería perder de vista.

VALENTINO: NOCHES FLORIDAS. Los diseñadores Maria Grazia Chiurri y Pier Paolo Piccioli, que han encontrado por fin el beneplácito de su exigente antecesor Valentino, han presentado una colección inspirada en el colorido y la belleza de las flores, muy poco urbana, apta solamente para las horas “importantes” . Vestidos de tul, crêpe y gazar en rosas empolvados, malvas, y vainilla, con incrustaciones de perlas y cristales y algunas inspiraciones en el “origami”, con arabescos, caracoleos y solapas y lazos perfectamente enclavados en blusas y faldas. Un solo color se salía de la paleta imperante: el rojo Valentino, el sello de la casa que nunca falla.

Si la última colección de costura de Pier Paolo Piccioli y Maria Grazia Chiuri para Valentino era una celebración del espíritu teenager en clave elegante, la que presentaron ayer en París era la misma versión de mujer pero con algunos años más. La costura de la firma ha madurado. Tanto literal, como simbólicamente.

La pareja de creadores no ha hecho sino labrarse un camino honesto y coherente que se vuelve cada vez más sólido con cada colección. Y lo mejor, manteniéndose fieles al legado del italiano pero refrescándolo.

En esta última colección de costura se centran en el uso de tejidos levísimos, como la organza y el encaje. Las vainicas que recorren las mangas de los vestidos, el nido de abeja deconstruído de algunas prendas, los juegos realizados con tiras de encaje de Valenciennes, las golas con mariposas hechas de organza... Todos los detalles destilaban un mimo y un cuidado a la hora de ser planteados y ejecutados que colocan al dúo en el nivel más alto de la costura. Por último, cabe destacar la técnica del plisado que, al partir de costuras que se abren, provocan un juego de veladuras en la organza y el chiffon.

Los colores, todos pasteles salvo con algunas pinceladas del inevitable rojo Valentino, han dejado que todo el protagonismo recayera en el acabado casi artesanal de las prendas. "La elegancia es subversiva", comentaba Pier Paolo poco antes del desfile. Y ciertamente así es.

GIVENCHY: JAPON A LA VISTA. Una presentación “estática”, como convenía a sus trajes distribuidos para ser admirados de cerca, en 4 salones consecutivos del Hotel D´Evreux. Inspiración japonesa en vestidos largos y lánguidos con dos caras perfectamente definidas: por delante con motivos orgánicos y vegetales y por detrás con motivos tecnológicos y fluorescentes. Vestidos cubiertos con bordados y lentejuelas en los que se adivinaban cientos de horas de trabajo y un halo de fantasía oriental pero totalmente contemporánea.

Ricardo Tisci, director creativo de Givenchy, representa el perfecto equilibrio entre la mente creativa atormentada y, a veces, difícil de comprender, y la sensatez empresarial y conceptual. Es decir, si sus colecciones prèt-â-porter suelen ser oscuras y un tanto turbadoras, las de alta costura –sobre todo las dos últimas- son luminosas, preciosistas y, aunque encierran su mensaje, en ellas es fácil reconocer el ingenio y la maestría a la hora de componer y fijar elementos bellos y coherentes.

ELIE SAAB: PARA PRINCESAS ACTUALES

Nadie puede acusar a Elie Saab de no cumplir los estándares que la Federación Francesa de la Costura exige a las casas de moda, como tampoco nadie puede esperar encontrar sorpresas o giros de inspiración en su repertorio.

Elie Saab siempre es Elie Saab. Así de sencillo. Sus vestidos, pensados para lucir sobre la alfombra roja, responden a un código concreto que él mismo instauró. Sus creaciones están cuajadas de strass, de filigranas de cristales, de pétalos de organza y de encajes bordados. Es como el fondo de armario de un princesa moderna (no en vano, Rania de Jordania es una de sus mejores clientas).

En esta colección de costura Saab se ha concentrado en el color nude, para pasar después al verde seco, al lila y al binomio blanco y negro hacia el final. Los drapeados que el diseñador usa para esculpir las caderas contribuyen a dar el toque contemporáneo a los vestidos. El resultado son diseños frágiles, preciosistas e hiperfemeninos. Mejor, hiperbólicamente femeninos. En definitiva, una colección impresionista, elegante y coherente con el espíritu del creador libanés.

R.M.T+V